Joel-Peter Witkin

Nacido el 13 de septiembre de 1939 en Brooklyn, Nueva York) es un fotógrafo estadounidense.

Nacido de padre judío y madre católica, sus padres se divorciaron cuando era joven debido a sus irreconcialiables diferencias religiosas. Trabajó como fotógrafo de guerra entre 1961 y 1964 en la Guerra de Vietnam. En 1967 decidió trabajar como fotógrafo freelance y se convirtió en el fotógrafo oficial de City Walls Inc. Estudió después escultura en la Cooper School Of Fine Arts de Brooklyn donde consiguió un título en artes en 1974. Después de que la Universidad de Columbia le concediera una beca terminó sus estudios en la Universidad de Nuevo Mexico en Albuquerque donde consiguió su Master en Bellas Artes.

Según el propio Witkin su particular visión y sensibilidad provienen de un episodio que presenció siendo pequeño, un accidente automovilístico en el que una niña resultó decapitada. También cita las dificultades en su familia como una influencia. Su artista favorito y gran influencia es el Giotto.

Sus fotos suelen involucrar temas y cosas tales como muerte, sexo, cadáveres (o partes de ellos) y personas marginales como enanos, transexuales, hermafroditas o gente con deformaciones físicas. Sus complejos tableauxs a menudo evocan pasajes bíblicos o pinturas famosas. Esta naturaleza transgresora de su arte ha consternado a la opinión pública en repetidas ocasiones y ha provocado que lo acusen de explotador y que haya sido marginalizado como artista en diversas ocasiones.

Su acercamiento al proceso físico de la fotografía es altamente intuitivo que incluye manchar o rayar el negativo y una técnica de impresión con las manos en los químicos. Esta experimentación comenzó luego de ver un ambrotipo del siglo XIX de una mujer y su amante quien había sido arrancado.

Oliviero Toscani

Es un fotógrafo italiano, reconocido principalmente por sus campañas publicitarias diseñadas para la marca de ropa Benetton, las cuales provocaron controversia en las décadas de 1980 y 1990.

Estudió fotografía en Zúrich, Suiza, entre 1961 y 1965. Entre 1982 y 2000, Toscani trabajó para Benetton, contribuyendo al crecimiento de la marca United Colors of Benetton hasta ser una de las marcas más reconocidas mundialmente.

Una de sus campañas más famosas incluía una fotografía de un enfermo de SIDA agonizando en una cama de hospital, rodeado de familiares dolientes. Otras, incluían alusiones al racismo, la guerra, la religión y la pena capital. En 1990, Toscani fundó la revista Colors (propiedad de Benetton), junto con el diseñador gráfico Tibor Kalman. Bajo el lema "una revista sobre el resto del mundo", Colors explotaba el multiculturalismo prevalente en la época, así como a las campañas publicitarias de Benetton. La línea editorial era independiente de la marca de ropa. En 1993, Toscani creó Fabrica, un centro de investigación sobre el arte en la comunicación; y encargó el diseño al arquitecto japonés Tadao Ando.

En 2005, Toscani levantó polémicas nuevamente, cuando hizo fotografías para la campaña publicitaria de la marca de ropa masculina "Ra-Re". Los retratos aludían al homosexualismo masculino, de un modo que enardeció a diversos grupos que debatían los derechos homosexuales.

Además de trabajar con Benetton, Toscani ha sido el diseñador de campañas publicitarias para Esprit, Valentino, Chanel y Fiorucci. Las campañas de Toscani han ganado cuatro veces el premio Lion d’Or en el Festival de Cannes. Personalmente, Toscani ha recibido, entre otros premios, el UNESCO Grand Prix, y dos veces el premio Grand Prix d’Affichage. Ha tenido exposiciones individuales

David Nebreda

 

Licenciado en Bellas Artes. A los 19 años los médicos le diagnosticaron esquizofrenia. Vive encerrado en un piso de Madrid con apenas dos habitaciones donde ha realizado la totalidad de su obra fotográfica, sin tomar medicación, sin comunicación con el exterior, sin radio, prensa, libros ni televisión. Vegetariano desde los 20 años, practica la abstinencia sexual, y se somete a severos ayunos que le mantinen un estado de delgadez extrema.

Sus imágenes llegaron a las manos del galerista Renos Xippas quien le dedicó una exposición en su galería de París, fue allí donde Léo Scheer descubrió su obra, impresionado por su fuerza decidió hacerse editor para poder divulgar su obra. Ha publicado ya dos libros de fotos. Autodidacta dentro de la fotografía, sorprende por su sabia utilización de la técnica, el dominio de la luz y los claroscuros de sus fotografías, no manipula el positivado aunque si utiliza la doble exposición.

Su obra es casi desconocida en España, en Francia ha sido promocionada por gente de la categoría del antes citado Léo Sheer, filósofo crítico y uno de los promotores de Canal + Francia, e incluso ha sido objeto de un artículo de Jean Baudrillard.

El único referente cercano a su obra puede ser la del artista Joel-Peter Witkin, aunque el busca sus modelos en personas ajenas o en cadáveres, no como Nebreda que basa todo su trabajo en su propia persona.

Fotografia de la luna

• La Luna es un objeto brillante rodeado de un area completamente negra (confundira al fotòmetro)
• Exposicion: Un buen punto es intentar la foto con un cielo despejado usando paràmetros similares a los que utilizamos cuando fotografiamos un objeto iluminado por el sol. ISO 100, 1/125 y F 8. Ajustar la velocidad a las circunstancias.
• Recomendaciones:

* Utilizar "teleobjetivo"

* Lente minimo de 300 mm (llenar el cuadro, protagonismo)

* Disparar en RAW (sobre o subexpuesto)

* Fase de la luna-

Cámara Reflex

 

Este tipo de cámaras muestra la imágen a través de un reflexjo hecho por un juego de espejos en el interior de la cámara, esto permite que haya una mayor concordancia con la imágen vista  y el resultado final.

Existen dos tipos de cámaras réflex: las SLR (Réflex de un objetivo) y las TLR (Réflex de objetivos gemelos).

SLR

Un espejo, con una inclinación de 45°, detrás del objetivo, dirige la luz hacia arriba a una pantalla de enfoque, lo cual elimina los errores de encuadre. El obturador de plano focal, está incorporado al cuerpo de la cámara, permite cambiar el objetivo sin peligro de velar la película. Una reflex de un solo objetivo es de fácil enfoque, pero son más pesadas y más complejas que las de visor directo, suelen ser más costosas y delicadas

Cuando se dispara la foto, al tiempo que se abre el obturador, el espejo interno se levanta y entonces la luz  ya no se desvía en dirección a la pantalla mate , sino que impresiona directamente el negativo

                                                                                     

 

 TLR

La cámara lleva dos objetivos idénticos. Los dos objetivos son gemelos en cuanto a apertura y distancia focal, aunque el superior carece de diafragma y de obturador. La misión de este objetivo es únicamente ofrecer una imagen al visor.

La imagen para el visor se forma sobre un cristal horizontal situado en la parte superior de la cámara, por lo que la postura idónea que ha de adquirir el fotógrafo es situar en la cintura y mirar desde arriba.

Las ventajas de las TLR son:

• Mayor precisión en el enfoque y en menor medida en el encuadre frente a las cámaras de visor y mayor flexibilidad a la hora de usar distintos objetivos.
• Permite seguir viendo el sujeto de la toma mientras el obturado está abierto, cosa que en las réflex de un sólo objetivo no es posible (especialmente útil en exposiciones prolongadas).
• Menor ruido al disparar, pues no requieren mover el espejo de las SLR, únicamente requieren del mecanismo obturador.

Pictorialismo

Movimiento iniciado con la comercializacion de la camara kodak. se trataba de un montaje de varias fotografias para crear un efecto parecido a esculturas o pinturas.

 

Tipos de Lentes

Una caracteristica de las camaras reflex son los diferentes tipos de lent4es.

Las familias de lentes dependen de las caracteristicas de estos.

"Objeto que concentra los rayos de luz en un lugar especifico".

Compuesto de cristales.

La cantidad de cristales define la calidad.  "Màs cristales es menos calidad en la imagen"

 

Funciones:

Cantidad de la luz que llega a la pelicula (calidad)

Profundidad de campo

Enfoque cròtico

Ampliacion de la imagen (Longitud focal)

Angulo de visiòn

 

 50 mm - 55 mm - Normal

A partir de 70 mm - Telefoto

Menos de 35 mm - Gran angular

Alrededor de los 24 mm - Ultra gran angular

Ansel Adams, fotógrafo paisajístico

 

Ansel Adams nace en 1902 en San Francisco (Estados Unidos), adoptó como tema fotográfico los paisajes del suroeste de su país.

En 1932 Ansel Adams, junto con Imogen Cunningham y Edward Weston, crearon el f/64, todos ellos eran un grupo de fotógrafos que defendían el detalle y la estética naturalista, este estilo había sido impulsado en un principio por Paul Strand, donde tiene sus raíces en artistas del siglo XIX como Timothy O’Sullivan.

En 1939 Adams expone por primera vez en San Francisco. Crea el primer departamento de fotografía en la escuela de Bellas Artes Decorativas de California y publica la colección Libros esenciales sobre fotografía acerca de técnicas fotográficas.

En 1949 se encarga de poner a prueba los primeros prototipos de Polaroid, trabajo que desarrolló con entusiasmo para descubrir las nuevas posibilidades que ofrecía el sistema.

Entre sus obras destacan Taos Pueblo (1930), Sierra Nevada (1948), This Is the American Earth (1960) y Yosemite and the Range of Light (1979).

realizó un viaje a Yosemite, California, donde captó en blanco y negro la majestuosidad de la naturaleza de Estados Unidos. Sus fotografías reflejan un enorme contraste de sombras y luces, desiertos áridos, nubes gigantescas y monstruosos árboles.

 

Lauren Greenfield

Fotógrafa freelance que nació en Boston en 1966 y se crió en Venice (California), ciudad en la que aún hoy vive. Se graduó en la Universidad de Harvard, donde también trabajó realizando fotografías para el Harvard Crimson. Greenfield estuvo contratada en plantilla por National Geographic en 1990, y en 1993 contó con la ayuda de la revista para realizar su libro “Viviendo Deprisa: Creciendo bajo la Sombra de Hollywood” . Gracias a “Viviendo Deprisa”, Greenfield consiguió el Community Awareness Award de la National Press Photographers Association, exponiéndose la obra en el festival Visa pour l’Image en Septiembre de 1995.

CARTIER BRESSON

Henri (1908-2004) Nació en Chanteloup, Seine et Marne, Francia. Pertenecía a una familia de la alta burguesía que le inculcó el gusto por el Arte, a sus padres sólo les interesaba la pintura, por este motivo fue educado en el Lycée Condorcet de París. En 1931 después de una larga enfermedad se intereso por la fotografía. La primera Leica la obtuvo en el 1933, con la que conseguía fotografiar al sujeto de una forma discreta sin distraerlo. Su primera exposición la inauguró en 1932 en la Galería Julien Levy de Nueva York, además ese mismo año publicó también su primer reportaje en la revista Vu. Hablando de su técnica jamás recorta los negativos, se positivan completos, sin encuadrar ni cortar nada. Es un fotógrafo que sabe componer con rigor, observando los gestos, las yuxtaposiciones de elementos y dispara en el breve instante en que todo ello crea un conjunto significativo, lo que él define como el momento decisivo.

En 1937 empezó a trabajar para varias revistas y periódicos como reportero gráfico. Fue llamado a filas en 1940, para la Unidad de cine y fotografía del ejército francés, durante la II Guerra Mundial le detuvieron los alemanes durante 35 meses. Después de tres intentos escapó de la prisión de Wuttemberg dirigiéndose a París, allí trabajó para la Resistencia en 1943. Organizó la filmación y fotografió la Ocupación y la Liberación de París. En 1945 dirigió, para la oficina de información bélica de Estado Unidos, el documental Le retour (El retorno). Volvió a Estados Unidos en 1946, donde conoció y fotografió a numerosos escritores y artistas como William Faulkner, Alfred Stieglitz o Saul Steinberg. Destacar como anécdota que en este año asistió a la exposición que el MOMA (Museo de Arte Moderno de Nueva York) le había organizado después de creerle muerto en la guerra. En 1947 junto a Capa, Saymour y Rodger fundaron la Agencia Mágnum y durante veinte años se recorrió todo el mundo siendo considerado uno de los reporteros más importantes de su época. Cartier documentó actos tan importantes como el funeral de Gandhi, la Guerra Civil en China, entre otros... Su primer libro fue publicado en 1952 titulado Images à la Sauvette. En 1955, por invitación expresa del Museo de Louvre de París, fue el primer fotógrafo que expuso su obra allí. Abandonó Mágnum en 1966 volviendo al dibujo y la pintura, aunque siguió con la fotografía. Para él "La fotografía es, en un mismo instante, el reconocimiento simultáneo de la significación de un hecho y de la organización rigurosa de las formas, percibidas visualmente, que expresan y significan ese hecho". Gracias a las exposiciones del Centro Internacional de Fotografía a partir del 1979 sus imágenes han recorrido todo el mundo. Algunas de sus colecciones son: The Decisive Moment (1952), The World of Henri Cartier-Bresson (1968), Henri Cartier-Bresson (1980), Henri Cartier-Bresson: The Early Work publicado por Peter Glassi en Nueva York (1987). Muere a los 95 años de edad el día 3 de Agosto del 2004 en su residencia "Le Claux" al norte de Marsella-Francia .

 

 

Cindy Sherman

                                                   

Artista estadounidense. Estudia arte en el Buffalo State College de Nueva York entre 1972 y 1976, dedicando una especial atención a la fotografía. Hasta 1986 realiza únicamente autorretratos fotográficos con los que intenta parodiar el tema de la mujer estereotipada: situándose en diferentes escenarios, sus imágenes en blanco y negro y de pequeño formato dan paso a otras en color y de formato más grande. En ellas, el humor va desde la muda introspección hasta la sensualidad más provocativa, desatándose el horror y la repulsión a finales de los ochenta. Sus formas cercanas y sus mensajes irónicos, asimilan la tiranía visual propia de la televisión, la publicidad y las revistas, guardando así cierta semejanza con el trabajo de Longo y Prince. El paso a un formato cada vez más grande va en paralelo a la fragmentación de la representación de la figura de Sherman como protagonista, tendiendo algunos de sus temas a la violecia, la crítica política o el erotismo. Tanto el MoMA como la Tate Modern de Londres, poseen un amplio repertorio de su obra.

Misha Gordin

Nace en Rusia en 1946. En 1974 tras años de descontentos con las autoridades comunistas, deja Rusia para irse a Estados Unidos. Misha Gordin aprovechando las nuevas técnicas de la fotografía digital se centra en un enfoque conceptual en sus trabajos,buscando más el concepto que la veracidad de las fotografías.
En todos estos años creando imágenes conceptuales, he intentado hacerlas lo más realistas posibles. Mis habilidades técnicas han mejorado, permitiéndome ensanchar horizontes para mis ideas. Pero esta no es la parte más importante del proceso. Un concepto pobre, aunque perfectamente ejecutado, crea una fotografía pobre. Por eso, el ingrediente más importante de una imagen poderosa es el concepto. Talento para crear un concepto y habilidad para desarrollarlo, esta es la combinación para una fotografía conceptual contundente. Crear una idea y convertirla a la realidad es el proceso esencial de la fotografía conceptual."
No es nueva la idea de manipular imágenes fotográficas. De hecho, en cierto grado, toda imagen se manipula. El verdadero poder de la fotografía surge cuando la realidad alterada se presenta como existente, y se da por supuesta. Una imagen evidentemente manipulada acaba siendo engaño que muestra la carencia de comprensión del particular poder que posee la fotografía: grabar fehacientemente en nuestro subconsciente que lo capturado por la cámara ha existido. En el mejor ejemplo de la imagen exitosamente manipulada, nunca surgiría la pregunta “¿Es esto real?"

Etapas de la genesis de la imagen

Etapas de la génesis de la imagen

 

Para Moles, la creación de una imagen se conforma de 14 posibles etapas:

 

1. La primera imagen: el contorno de una forma real, perfil de un rostro o un animal.

2. El surgimiento de detalles en el interior del contorno: los ojos y las orejas por ejemplo.

3. El surgimiento de los contornos sobre un fondo, él mismo dibujado. Jerarquía de lo principal.

4. Los colores, primer elemento de un realismo sensializante.

5. La rotación de los perfiles (cambiar, a través del pensamiento, de punto de vista) creencia en la coherencia y la unidad de la forma representada de frente, de tres cuartos o de perfil.

6. La escultura, imagen de tres dimensiones.

7. La yuxtaposición significativa de elementos visuales tomados del desarrollo de una acción.

8. Las sombras y el modelado, el sombreado: surgimiento del relieve.

9. La perspectiva, algoritmo geométrico del todo desde un punto de vista.

10. La fotografía: fijar el “icono” extraído del objeto, sobre la base de una técnica.

11. La estereoscopia, visión de tres dimensiones a través de artificios tecnológicos.

12. El holograma, confrontación posible entre el mundo de las imágenes y el mundo real.

13. La imagen móvil (en cine), cristalización del movimiento visual.

14. La síntesis total (la imagen de la computadora) creando, a través de la visión, seres que no existen pero podrían existir.

Principio del doble y la mitad

Estos terminos hacen referencia a la velocidad y la luz. Para relizar una buena foto se tiene que controlar estos principios.

• La velocidad se refiere a la obturación, es el tiempo en que el obturador se encuentra abierto para capturar la imágen. La escala para medir velocidades es

  1 S

  1/2 S

  1/4 S

  1/8 S

  1/15 S

  1/30 S

  1/60 S

  1/125 S

  1/250 S

  1/500 S

  1/1000 S

La velocidad de obturación determina el tiempo de exposición de la fotografía.

• La apertura del diafragma permite el paso de luz en el lente y para conocer los valor, se utilizaf  1.2    

f  1.4

f  2.8

f  4

f  5.6

f  8

f  11

f  16

f  22

Aqui se aplica el principio del doble y la mitad, donde el doble de apertura del diafragma es el numero menor que le sigue, y la mitad es el siguiente numero mayor en la lista.

 

LA FOTOGRAFIA

 

Es un fenómeno ligado a efectos ópticos y químicos, conocido por Arquímedes y trabajado por Da Vinci. En donde se utilizaba una habitaión totalmente oscura con un pequeño orificio en la parde, permitiendo un pequeño rayo de luz se proyectaba la imagen del objeto exterior de manera inversa.

La fotografía puede ser clasificada de diferentes formas: comerciales, publicitarias, artísticas, de documentación social, manipuladas o retocadas, retratos, naturaleza, etc.

La importancia de la fotografía

Los mas importantes de la fotografia es que podemos guardar momentos, crear memorias de cualquier evento, revivir momentos, traer a la vida esas memorias.

Conocer o por lo menos tener una idea de otras culturas o simplemente actividades distintas a las que acostumbramos o tenemos en nuestra sociedad.

Representacion de los objetos tal cual son. Verosimiltud. La invencion de la fotofrafia y la escritura son memonetos en la historia humana.

Número f en fotografía

En una cámara fotográfica, la anterior apertura se corresponde usualmente con la apertura del diafragma, la cual puede ser ajustada en pasos discretos para variar el tamaño de la pupila y por lo tanto la cantidad de luz que alcanza el filme o el sensor.

Escalas de números f

Si ajustamos los pasos de modo que cada valor represente la mitad de intensidad luminosa que el precedente, deberemos dividir el área de la pupila de entrada entre 2, y su diámetro entre . Obtendremos de este modo una sucesión llamada escala estándar de números f, formada por aproximaciones de los términos de la progresión geométrica de las potencias de (aprox. 1.414):

f/1, f/1.4, f/2, f/2.8, f/4, f/5.6, f/8, f/11, f/16, f/22, f/32, f/45, f/64, f/90, f/128, etc.

En cámaras modernas podemos encontrar también escalas que avanzan según una fracción de paso (1/2, 1/3 o incluso 1/8 de paso):

Escala de medio paso

#

1.0

1.2

1.4

1.7

2

2.4

2.8

3.3

4

4.8

5.6

6.7

8

9.5

11

13

16

19

22

Escala de 1/3 de paso

#

1.0

1.1

1.2

1.4

1.6

1.8

2

2.2

2.5

2.8

3.3

3.5

4

4.5

5.0

5.6

6.3

7.1

8

9

10

11

13

14

16

18

20

22

Velocidad de una lente

La velocidad de una lente viene dada por su mínimo número f, que se corresponde con su máxima apertura. De una lente de gran apertura máxima decimos que es una lente rápida, pues permite usar unas velocidades de obturación más rápidas. Los fabricantes indican este dato en la montura de los objetivos.

Así, podemos decir que una lente es más rápida que otra. Por ejemplo,una lente con apertura máxima de f/3.5 es más rápida que otra con una apertura de f/5.6, aunque ninguna de ellas sea especialmente rápida. Una lente con apertura máxma de f/1.8 es más lenta que otra con una apertura de f/1.2, aunque ambas pueden clasificarse como lentes rápidas.

Valores que afectan la profundidad de campo

La profundidad de campo va a influir de forma decisiva en la atención a la hora de contemplar una fotografía, ya que inconscientemente dirigimos nuestros ojos a aquellas zonas de la imagen que se encuentran más enfocadas frente a aquellas otras que no lo están.

La profundidad de campo obtenida va a depender de varios factores:

1. La apertura del objetivo. La profundidad de campo de nuestra foto será mayor cuanto más cerrado esté el objetivo, o lo que es lo mismo, tenga un número f mayor. Así, una fotografía tomada desde un punto a f16 tendrá mayor profundidad de campo que otra tomada desde el mismo punto con una apertura de f4.

2. La distancia al elemento fotografiado. Cuanto más cerca nos encontremos del elemento que estemos fotografiando, menor será la profundidad de campo.

Cuanto más lejos nos encontremos del objeto a fotografiar, la profundidad de campo será mayor. Esto significa que si, con una misma abertura del diafragma, hacemos una fotografía a un objeto que tengamos cerca nuestro, la profundidad de campo será menor que si hacemos una foto con esa misma abertura a algo que se encuentre más alejado.

3. La distancia focal. Cuanto menor es la distancia focal de nuestro objetivo (o la que tengamos seleccionada en un momento dado, si es un objetivo zoom de focal variable), mayor será la profundidad de campo obtenida.

Cálculo de la profundidad de campo

Como hemos explicado, la profundidad de campo depende pues, de esos tres factores: apertura del diafragma, distancia al objeto y focal del objetivo.

A partir de estos tres parámetros es posible calcular el valor de la profundidad de campo que vamos a obtener al hacer una foto.

Si quieres calcular la profundidad de campo para unas características determinadas, en este enlace dispones de un completa calculadora que te permitirá conocer el valor de la profundidad de campo para tu cámara digital a partir de las distintas variables que hemos comentado.

EXPRESO

1.- LA FOTO QUE MAS ME GUSTO

 

En la exposición del Expreso, era más bien como representar alguna noticia ya que este es un periódico, la que mas me gusto fue donde salen los cuetes arriba de Catedral, es un festejo tradicional del 15 del septiembre, me gusto porque estamos en estas épocas del año en que todas las personas a pesar de tener un gobierno malo y estar en condiciones bajas en comparación con otros países aun así la gente esta orgullosa de representar con banderas y adornos a lo que es su país.

 

2.- LA QUE MENOS ME GUSTO

 

Una de las fotos que hasta me desagrado fue donde sale una persona a primera vista puedes pensar que es mujer pero por la complexión física te das cuenta qque es un joven hombre vistiendo como chica, no me gusto no por la persona si no porque la sociedad representa un grado de vulgaridad en las calles a pesar de que hay un niño cerca, ya no hay respeto.

Los otros niños del pitic

1.- LA IMAGEN QUE MAS ME GUSTO

 

 

El la exposición de “Los otros niños del pitic” la imagen que mas me gusto fue la que utilizaron para la invitación, porque sale una niña con un vestido sucio y como que estaba jugando con una tipo manta, creo que eso da un aspecto de inocencia, además de que es pequeña y viven en un lugar de escasos recursos pienso que es muy joven para darse cuenta de que manera viven.

 

2.- LA IMAGEN QUE MENOS ME GUSTO

 

La imagen que no me gusto de esta exposición fue donde salen dos niños jugando, uno arriba de una bicicleta y otro jugando con solo una rueda, el niño de la bicicleta sale con camiseta en cambio el de la rueda no además de ir descalzo, no me gusto porque creo que hay un tipo de comparación en esa imagen de pensar que el niño de la rueda quiere o desea una bicicleta también y el que la tiene lo viene siguiendo puede verse como una tortura, claro a mi forma de verlo.